La Lanzadera - Coordenades2012

Holaaaa!!! Después de mil millones de años (sin exagerar prácticamente nada) voy a intentar retomar esto, porque me cuesta, me cuesta. Aprovecho este acontecimiento para agradecer al misterioso Rey Huevo que tan amablemente me ha hecho este dibujito para la cabecera, no menos misterioso.

Ayer me comprometí con una nueva iniciativa promovida desde El Prat de Llobregat que se llama Coordenades2012 y me ha motivado tanto como para compartirla con todos vosotros, queridos hermanos. Su misión es hacer visible y difundir el trabajo que realizan los creadores del Prat, ya sea desde una perspectiva local de implicación directa con el territorio, como desde una visión más profesional vinculada a los diferentes sectores de la creación visual. Se trata de "generar espacios de encuentro y conocimiento mutuo entre personas relacionadas con la creación en el Prat y su entorno inmediato. Espacios de intercambio, [in]formación, debate y reflexión sobre las prácticas creativas". 

El otro día, en una clase llamada "Modelos comparados de política cultural internacional" (o estas mismas palabras en un orden distinto), una chica expuso un trabajo sobre el impacto de los centros culturales en el tejido asociativo y la regeneración urbana del núcleo urbano de Barcelona. Nos preguntó qué relación teníamos nosotros con los centro culturales y yo rapidamente contesté muy orgullosa que estaba haciendo las prácticas en un uno, Torre Muntadas, del Prat de Llobregat. Mi intervención fue rápidamente bloqueada porque, al parecer, este municipio es uno de los pocos de todo el Estado que sigue un modelo de política cultural "nórdico" en el que la cultura sí entra en los planes de actuación municipales como una de las primeras políticas públicas que deben ser implementadas. Con este argumento me vinieron a decir que todo lo que pase aquí es una especie de excepción a lo que pasa en el resto de Catalunya, e incluso al resto del país, y yo ya... pues me callé.

Todo este rollo puede servir para poner un poco en situación de dónde nace La Lanzadera y el proyecto Coordenades2012 que como da para mucho ya retomaré en sucesivas publicaciones. Y ya de paso genero un poco de misterio porque si ya lo cuento todo vaya una gracia! 

Lo que sí avanzo es que os reserveis el 27 de Octubre para venir al Prat, yeah!

"No desprenda colas ni stares"

Empiezo por el final. "No desprenda colas ni stares" es la expresión que Xavi Hurtado ha escogido para dar título a su última creación. Durante un encuentro con él, organizado desde el proyecto Screen Scouts el pasado jueves 31 de mayo en la terraza del C3bar, nos contaba de dónde viene el nombre: los conceptos de "colas y estares" hacen referencia a los finales y los principios de los antiguos rollos de películas de nitrato. "Stares" es la castellanización del término inglés starts y las colas, pues son las colas. Es frecuente que estas partes se deterioren mucho y, históricamente, se han cortado con tanta facilidad que según el mimo dedicado a la tarea, el proyeccionista podía llevarse los primeros o los últimos fotogramas de las películas. En Colombia, en los años 90, Xavi Hurtado contactó con los herederos de unos "viejitos que habían tenido una productora" y que ahora se estaban desprendiendo de todo el material almacenado durante décadas. Xavi compró unas 500 cintas de películas en 16 mm y en las tapas de cada una de ellas encontró etiquetas que indicaban "No desprenda colas ni stares".

Xavi Hurtado combina la docencia con la creación artística que aborda desde una reflexión sobre la mirada, el concepto de visualidad y la necesidad de entender el arte desde la transversalidad. Este proyecto en concreto se plantea como una instalación en la que los dispositivos del cine tradicional se ven alterados por las nuevas posibilidades que la tecnología nos está ofreciendo paulatinamente. Además, la proyección de imágenes cinematográficas se funde con la técnica musical del saxofonista Tom Chant para crear una experiencia que oscila entre la poética visual y el paisaje sonoro.

A partir de un exhaustivo trabajo de archivo centrado a su vez en las recopilaciones del archivista, escritor, cineasta, y ahora también librero Rick Prelinger, Xavi propone una relectura de los textos fílmicos. Más allá del found-footge y del periodismo de investigación, él construye un discurso inspirado en las tradiciones indígenas donde "la experiencia visual es mucho más que lo que se percibe con los ojos". Así, el dispositivo se basa en una doble proyección de una misma recopilación de imágenes en 16 mm, una de ellas es un prototipo desarollado desde el centro Hangar mientras que la otra emerge desde un proyector conectado al saxo de Tom Chant de tal manera que la proyección de imágenes se activa con el sonido del instrumento.El resultado es una creación totalmente hipnótica capaz de trascender el espacio partido del auditorio de la fundación Caja Madrid. 

A través de este encuentro, puedo confirmar que sin duda el principal interés de haber participado en el proyecto Screen Scout, reside precisamente en descubrir a personas como Xavi Hurtado, cuya obra y bagaje personal son dignos de recordar y tener en cuenta para la propia experiencia personal. 

Por eso, creo que seguiré escribiendo sobre él más adelante.

Voy a hacer un índice

Queridos hermanos, el Screen from Barcelona y la feria Loop vieron su fin durante el primer fin de semana de junio, momento en el que los aplicados estudiantes  universitarios nos vimos sumidos en un alud de trabajos difilmente compatible con otras formas de vida. 

Por eso, tengo un ligero retraso bloggero que procedo a ir supliendo, por fascículos. 

Como no quiero que me quede desordenado, expongo mi deseo de hacer 2 post con la siguiente información:

1. "No desprenda colas ni estares", instalación visionaria a cargo de Xavi Hurtado 

2. Feria Loop y descubrimiento de Akino Kondoh, bello/anonadante/megustómucho

Además, asistí el día 31 de mayo, a una masterclass, perdón, rencontre con Agnés Varda en la que me reí y aprendí muchísimo, también me gustaría contarlo así que de momento solo avanzo una cita:

"J'aimerais bien être un chat, ils ont 7 vies et moi j'en ai eu que 3."

Y ahora procedo a pensar el primero de estos apéndices.

Fins aviat!!

Una de cal y otra de arena

El festival Screen me está dando muchas sorpresas, para bien y para mal. El martes día 29 estuve en la proyección Art&Cinema, preámbulo a la mesa redonda que se desarrolló al día siguiente sobre la relación entre el arte y el cine, en el auditorio del MACBA. Según el propio folleto del festival, Lluís Miñarro, Simon Field, Fiona Tan y Marco Müller eran los invitados para establecer esta reflexión a través de obras seleccionadas por ellos mismos que ilustrasen el cruce entre el cine y el arte. 

Debido a su reciente nombramiento como  nuevo Director del Festival de cine de Roma, todos estaban presentes menos Marco Müller. Si bien la mesa de los ponentes contaba con la presencia de la Directora del festival, no fue hasta la intervención de Lluís Miñarro, último en exponer, cuando se hizo alusión a tan señalada ausencia. Creo que debe recaer sobre la dirección del festival la responsabilidad de asumir este tipo de cambios en la programación, y en cualquier caso, su anuncio debe hacerse al inicio de la sesión y no al final.

Por otra parte, también me decepcionó el sistema de traducción utilizado: comprendo, en los tiempos que corren, el ahorro que supone no contratar a un interprete o evitar los sistemas de traducción simultánea, pero si DOS personas vinculadas al festival asumen la traducción de manera "improvisada", su labor debe ser impecable. Comentarios como "lo siento, pero no tengo nada para tomar notas" o "he desconectado" no deberían producirse. Tampoco creo que la traducción deba funcionar únicamente en una dirección, del inglés al catalán, cuando la audiencia y los ponentes son internacionales. Así, la intervención de Lluís Miñarro se quedó en el limbo del castellano sin ni siquiera suscitar un amago de interpretación "ahora ya es demasiado tarde".

Pero, como he dicho al principio, las sorpresas también son para bien. Cada vez que escribo el nombre Apitchapong Weerasethakul me acuerdo de la primera vez que lo escuché, en una clase con Roberto Cueto en la que los alumnnos estábamos muy serios hasta que un nombre tan evocador nos sacó a todos, incluído Roberto, una especie de risa nerviosa. Pues bien, he de agradecer ahora a la misma organización que he criticado por haber traído la pieza Phantoms of Nabua. Incluída dentro de la instalación del artista tailandés Primitive, esta obra es un ejercicio visual que traslada al espectador constantemente de la oscuridad de una pantalla de cine a la fisicidad del lienzo de un pintor. A través de un juego de luces filmado sin ningún tipo de artificio técnico, Apitchapong convierte una bola de fuego en un balón de fútbol, en una estrella fugaz, en el pincel bermellón de un pintor expresionista. En segundo plano, una pantalla blanca que emerge de la densidad del bosque soporta un desfile de imágenes de color aguamarina hasta que el trazo de pintura roja se funde con los tonos verdosos para terminar ardiendo. 

No sé si buscado o no, pero unos minutos más tarde se produce un  diálogo precioso entre las paredes del Aita de José María de Orbe y la pantalla en llamas de Apitchapong. En un fragmento reconstruído de su película, de Orbe atraviesa la pantalla del cine que todos estamos mirando para crear una nueva desde dentro de la propia imagen: los tabiques agrietados de la vieja casa familiar se convierten en telones blancos sobre los que se pasean imágenes recuperadas del archivo vasco, o quizá son los espíritus del pueblo de Nabua que han penetrado en la cal de las paredes...

Estamos como en casa

Homesession nace en la casa de Olivier Collet y Jérôme Lefaure en 2007 como un impulso para fomentar el diálogo entre artistas. Durante sus primeros años, este proyecto daba la oportunidad a artistas internacionales (la mayoría emergentes) de convivir durante un mes con Olivier y Jérôme, en su propia casa, para crear una obra centrada en el espacio doméstico y concebida para ser expuesta durante un día. El momento de la inauguración y único momento de disfrute de la creación suponía por tanto una jornada de puertas abiertas en la casa de los padres del proyecto.

Si las propuestas de residencias de artistas son escasas en nuestro país, esta idea de acoger en tu propia casa a los creadores es sin duda muy interesante porque plantea un nuevo modelo de relación entre el espacio expositivo, el intermediador y el autor. Desde 2010, Homesession ha avanzado un paso más allá para asegurar 12 residencias al año a través de la creación de este espacio, a la vez galería y vivienda que acoge las creaciones de INVITED-ONE-DAY. 

En este sentido, Jérôme y Olivier nos hablan de proyectos internacionales como por ejemplo Chez Néon, difuseur d'art contemporain, de Lyon, con quienes comparten su objetivo principal "valorizar la producción artística más reciente". De la misma manera, estas iniciativas buscan crear y desarrollar vínculos entre el artista y el tejido cultural así como asegurar la mediación entre el proyecto del artista y su público.

Y esta idea se vió claramente reflejada ayer en Augustin Rebetez, artista residente que expone actualmente en la sala del Poble Sec. Ante la invitación de Olivier para hablar de su obra, él prefirió preguntarnos directamente: 

¿Os gusta?

Pregúntadme vosotros. ¿Qué os parece?

Yo respondí que me gustaba mucho esta obra. MUCHO. Son etiquetas cogidas de un centro comercial en Monréal sobre las que Augustin ha dibujado trocitos de su vida. Mientras en francés te dice "a la venta", en castellano te invita: "Vente!" Par Augustin Rebetez.

Y cuál no será mi sorpresa al ver otro TROZO DE PARED, parecido al que yo escogí para abrir este blog (al que finalmente estoy cogiendo gusto). Par Agustin Rebetez.

Jérôme & Olivier se despiden invitándoos, los doos, a todoos vosotros (basta!) A DAROS UNA VUELTA POR SU segunda CASA! Homesession, Creu dels Molers, 15.

"El comisariado independiente es una guerra social"

"Screen Scouts" viendo Tech Noir, en la Agencia de Apoyo a la Arquitectura de Barcelona AAAB

Conforme avanzan los encuentros me voy dando cuenta de que la riqueza del Screen es también su principal vicio. Si ofrecer una programación extensa y diversificada permite dibujar un panorama exhaustivo de la creación visual internacional contemporánea, también dificulta mucho las opciones programáticas: es muy difícil conseguir que no se solapen las actividades y evitar la contra-programación resulta prácticamente imposible. Sin duda este es un punto clave a tener en cuenta para cualquier festival pero sabiendo que la audiencia del video arte aún no está consolidada en nuestro país (pese a tener ya más de 50 años de Historia!!) creo que el Screen from Barcelona debería cuidar más este aspecto. 

Ayer estuvimos hablando con Laura Planas, comisaria independiente a cargo de la expo Tech Noir que nosotros disfrutamos ayer en la AAAB, y cuya sede principal es el Consulado General de México. Se trata de un programa de 45 minutos formado por 13 videos de artistas mejicanos que proponen un paso más hacia la creación de nuevos géneros artísticos a partir de la relación entre el arte y la tecnología.  Herederos del aníme y el manga como principales exponentes de la mutación de los géneros que se produjo durante la postguerra japonesa, estos artistas nos proponen el tech noir, un "cruce entre la estructura narrativa del cine negro y  la herencia de personajes nacidos del pánico nuclear".

En este sentido, pregunto a Laura sobre el significado del concepto video arte en el momento actual.

- Si en sus orígenes nace como una disciplina intrínsecamente ligada a la manipulación del soporte físico, la propia película, ahora que el concepto "soporte" se está diluyendo cada vez más, ¿cómo podemos establecer una frontera clara entre del video y el cine?

- El video arte se distingue por la intención del artista, hay una fuerte voluntad de experimentar, experimentar con la imagen a través de cualquier formato. Y tampoco existe esa supeditación a una duración concreta. Por ejemplo cada una de las piezas de Tech Noir se desarrolla durante un tiempo distinto.

En otro orden de cosas, Laura insiste en que "lo más importante es el proceso". Y sin duda esta expo es un buen ejemplo. Inicialmente, fue concebida como una invasión del espacio a través de 13 proyectores capaces de convertir el espacio díafano de la AAAB en 13 pantallas en movimiento. Finalmente, (y sobre todo por problemas, una vez más, de apoyos económicos prometidos y finalmente denegados) el programa de 45 min se reproduce en bucle proyectado sobre una de las paredes del espacio. Eso sí, la elección de esta pared invita a prolongar este proyecto a través de un futuro screen facade esbozado ya aquí por la irregularidad de la superficie de proyección: cuando la imagen se queda en blanco, no vemos una pantalla lisa, sino una mezcla entre una medianera desnuda y una pintura de Rothko en tonos transparentes.

Ahora me voy a un encuentro con Olivier Collet y Jérôme Lefaure, responsables del proyecto Homesession y con Augustin Rebetez, creador de After Dark and More. 

Y después, nos toca la segunda dosis de ClaResil, en La Capella a las 19.30, proyección de Full Fire Arms de Emily Wardill. 

Desde luego, como diría mi abuela "Chica, ¡qué trajinete!"

"El código QR es un inventazo"

11h C3bar Café con Lorea Iglesias, 

comisaria de la exposición Mobile video art. 

Solo disponible a través de la web desde el 16 de mayo hasta el 3 de junio.

 

En un momento en el que el avance tecnológico va más rapido que la reflexión consensuada sobre su impacto en la sociedad, Lorea Iglesias (Donosti 1977) nos propone una exposición virtual donde los móviles son los protagonistas. Y es que estos dispositivos se han introducido en nuestras vidas y por tanto  también en la creación artística contemporánea.

-"Los móviles son una herramienta de experimentación; un único dispositivo absorbe un montón de tecnología, ¡y lo llevamos en el bolsillo!"

-"A ver, todos tenemos lápices y no todos pintamos pero la inquietud combinada con un soporte que siempre llevamos encima, facilita la experimentación".

Para los que estemos en Barcelona durante el Screen from Barcelona, la puerta de entrada a esta expo viene a través del sistema QR, que para los poco entendidos como yo hasta esta mañana (¡hay que ver lo que aprende una de la manera más tonta!), es un sistema de almacenamiento de información que funciona a través de matrices de puntos. La gracia es que puedes acceder a toda la información que contiene cada código a través del lector de QR de tu móvil o tablet. 

La expo reune 11 piezas de diferentes artistas siempre grabadas con móviles. Esta mañana, Lorea ha escogido la obra de Txalo Toloza-Fernández  para enseñarnos una de las piezas que conforman este puzzle visual. 

Al son de un revelador We can be heroes, este artista se dedica a perseguir desconocidos por el mundo mientras les graba con su móvil y arriesga su integridad física. Se arriesga, se arriesga.

Más allá de esta expo, Lorea Iglesias tiene un perfil focalizado en el estudio de las oportunidades discursivas que nos ofrece esta evolución tecnológica. En concreto, destaca su compromiso con el proyecto Space Vandals que, entre otras cosas, "aprovecha los vacíos legales para crear y okupar espacios públicos creando tu propio discurso". 

Os recomiendo ¡MUCHO! que veais esto:

NoHayPan

Y ya para terminar, pongo sobre la mesa el debate que me ha ido surgiendo durante la charla esta mañana. 

Si es innegable que la evolución tecnológica está abriendo nuevas vías de comunicación y está subvertiendo la tradicional distancia que separaba al "artista" de su público ("el pueblo?"): ¿Hasta qué punto la creación a través de los móviles supone una democratización del arte o refleja más bien una contribución a las grandes compañías telefónicas y marcas tecnológicas que alimentan los mismos mercados que desde el arte más comprometido estamos pretendiendo abolir?

Ahí lo dejo...